Su música inicial, fresca y ligera, cambió para convertirse en épica y turbulenta, muy acorde con los tiempos revolucionarios que vivía Europa. Eran años en que las potencias monárquicas europeas se habían aliado para derrotar a la Francia revolucionaria. En una deslumbrante campaña en el norte de Italia, en la que el ejército austríaco fue derrotado, adquirió notoriedad Napoleón Bonaparte, que se convirtió en un ídolo entre los sectores progresistas. De esta época son Sonata para piano n.º 8, llamada Patética, y Sonata para piano n.º 14, llamada Claro de luna. Su Tercera Sinfonía, llamada la Eroica, estaba escrita en un principio en «memoria de un gran hombre», Bonaparte, que era visto en ese momento como un liberador de su pueblo. Cuando se declaró a sí mismo Emperador, Beethoven se enfureció y borró violentamente el nombre de Napoleón de la primera página de la partitura. La Eroica se estrenó finalmente el 7 de abril de 1805.
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miércoles, 29 de diciembre de 2010
Primera Sinfonía
En 1800, Beethoven organizó un nuevo concierto en Viena en el que realizó la presentación de su Primera Sinfonía. Su actividad musical iba en aumento y también impartió clases de piano entre las jóvenes aristócratas, con las que mantuvo romances esporádicos. Al año siguiente, Beethoven se confiesa preocupado por su creciente sordera a su amigo Wegeler. En Heiligenstadt, el año siguiente escribió el conocido Testamento de Heiligenstadt, en el que expresa su desesperación y disgusto ante la injusticia de un músico pudiera volverse sordo, algo que no podía concebir ni soportar. Incluso llegó a plantearse el suicidio, pero la música y su fuerte convicción de que podía hacer una gran aportación al género hicieron que siguiera adelante. En dicho testamento escribió que sabía que todavía tenía mucha música por descubrir, explorar y concretar
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A los 24 años
Con 24 años publicó su primera obra importante: tres tríos para piano, violín y violonchelo (Opus 1) y el año siguiente, en 1795, realizó su primer concierto público en Viena como compositor profesional, en el que interpretó sus propias obras. Ese mismo año le propuso matrimonio a Magdalena Willman pero ésta se negó. Posteriormente, realizó una gira por Praga, Dresde, Leipzig, Berlín y Budapest. En 1796 publicó tres sonatas para piano (Opus 2). La corte, la nobleza y la Iglesia vienesas acogieron la música de Beethoven y se convirtieron en mecenas y protectoras del joven músico. Eran frecuentes las disputas en estos estamentos y el compositor, debido al carácter fuerte e impulsivo del músico, pero este hecho le hizo granjearse un gran respeto en la ciudad. Entre sus mecenas se encontraban personalidades como el príncipe Karl von Lichnowsky y el barón Gottfried van Swieten.[5] Por esa época se desligó de Haydn, con el que no coincidía musicalmente pero a quien, a pesar de esto, dedicó los tres tríos
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martes, 14 de diciembre de 2010
Alejandro Sanz partía con 5 nominaciones
En Septiembre de 2001, Alejandro Sanz partía con 5 nominaciones en la 2ª edición de los Latin Grammy Awards, cuya ceremonia de entrega en Los Angeles fue cancelada al coincidir con los terribles acontecimientos internacionales del 11 de Septiembre. En una ceremonia de entrega mucho más austera celebrada el 30 de octubre, Alejandro consiguió 4 de los galardones a los que estaba nominado, resultando el gran triunfador de esta segunda edición. Alejandro obtuvo el premio a la Grabación del Año por El Alma al Aire, Canción del año por El Alma al Aire, Mejor Album Pop Vocal Masculino por EL ALMA AL AIRE y Album del Año por EL ALMA AL AIRE.
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MAS
MAS ha representado el paso de Alejandro Sanz a la categoría de mito contemporáneo de la música latina. Pero él es, ante todo, un artista, y sus inquietudes musicales no cesaron. En el 2000, y después de más de un año de trabajo, y también con la producción de Emanuele Ruffinengo, Alejandro Sanz publicó El alma al aire, el sexto disco de su carrera con el que Sanz volvió a batir sus marcas, convirtiéndose en el disco que más rápidamente alcanzó el millón de copias vendidas en España (1 semana) .
Con EL ALMA AL AIRE, Sanz alcanza nuevas cotas musicales de su inagotable fuente de inspiración, dotando a cada una de las canciones de su nuevo trabajo de una emoción desbordante. El Tour El Alma Al Aire, la gira que ha seguido el lanzamiento de este álbum ha sido la mayor jamás realizada por un artista español, batiendo records en Latinoamérica, Estados Unidos y España.
Alejandro Sanz lleva acumuladas hasta la fecha más de dos millones de copias de EL ALMA AL AIRE en todo el mundo, logrando su primera nominación a los Premios Grammy con este trabajo.
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Con EL ALMA AL AIRE, Sanz alcanza nuevas cotas musicales de su inagotable fuente de inspiración, dotando a cada una de las canciones de su nuevo trabajo de una emoción desbordante. El Tour El Alma Al Aire, la gira que ha seguido el lanzamiento de este álbum ha sido la mayor jamás realizada por un artista español, batiendo records en Latinoamérica, Estados Unidos y España.
Alejandro Sanz lleva acumuladas hasta la fecha más de dos millones de copias de EL ALMA AL AIRE en todo el mundo, logrando su primera nominación a los Premios Grammy con este trabajo.
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Grabado en Milán en 1997
Este álbum, el cuarto en su carrera discográfica, le tomó casi tres años de dedicación. Durante este tiempo, Alejandro profundizó en sus conocimientos musicales, estudió piano y compuso alrededor de treinta canciones, de las cuales finalmente diez serían elegidas para su inclusión en el disco después de pasar un arduo proceso de selección.
Esa fue una de las claves de MAS. Grabado en Milán en 1997 y producido de nuevo por Miguel Angel Arenas y Emanuele Ruffinengo, este álbum logró romper todos los records existentes en la música española: permaneció setenta y siete semanas en las lista de los discos más vendidos, veintiséis en la posición número uno, veintiuna de forma consecutiva desde que apareciera el disco y cinco semanas un año y medio después de su edición, vendió más de cinco millones de copias en todo el mundo.
Este álbum contiene algunas de las páginas más memorables de la música española de los últimos años: Y ¿si fuera ella?, Corazón Partío, Amiga Mía... A este disco le siguieron una gira mundial y un sinfín de records, galardones y reconocimientos, convirtiéndose en el artista más premiado de la historia de la música española.
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Esa fue una de las claves de MAS. Grabado en Milán en 1997 y producido de nuevo por Miguel Angel Arenas y Emanuele Ruffinengo, este álbum logró romper todos los records existentes en la música española: permaneció setenta y siete semanas en las lista de los discos más vendidos, veintiséis en la posición número uno, veintiuna de forma consecutiva desde que apareciera el disco y cinco semanas un año y medio después de su edición, vendió más de cinco millones de copias en todo el mundo.
Este álbum contiene algunas de las páginas más memorables de la música española de los últimos años: Y ¿si fuera ella?, Corazón Partío, Amiga Mía... A este disco le siguieron una gira mundial y un sinfín de records, galardones y reconocimientos, convirtiéndose en el artista más premiado de la historia de la música española.
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lunes, 6 de diciembre de 2010
Con la RCA
Terminados los bailes de Carnaval Julio y Francisco volvieron a las presentaciones en el café Colón y por allí apareció el conde Chikoff para ofrecerles un contrato de seis mil pesos por mes para el sexteto para tocar en el Vogue´s Club, que organizaría tés danzantes pensados para la alta sociedad en el local del Palais de Glace. Al mismo tiempo recibieron el ofrecimiento para grabar en RCA Víctor.
Violín corneta
Paul Whiteman, el famoso músico de jazz era artista de la Víctor, al igual que Julio De Caro y le gustaba mucho el tango que había tenido ocasión de escuchar cuando Juan Carlos Cobián estuvo en Estados Unidos. Al oír a De Caro en ocasión de que el mismo fuera a realizar grabaciones a los estudios de la Víctor le sugirió a la grabadora que le dejaran el violín corneta con el que grababan concertistas clásicos que estaban reparando porque según su criterio tenía un concepto nuevo, moderno. La innovación consistía en que para aumentar el volumen del violín se le adhirió una corneta, de ahí su nombre, lo que aproxima el sonido instrumental a la voz humana, dotándolo un matiz nasal. Cuando el representante de la empresa viajó a Buenos Aires le llevó el violín a De Caro, ofreciéndole que el precio lo fuera descontando de los derechos a cobrar. El músico al comienzo no quiso usarlo pero luego lo aceptó y si bien le costó adaptarse al mismo, finalmente fue bien aprovechada para darle una especial sonoridad a la orquesta, llegándose a conocerlo como el "violín-corneta de Julio De Caro".[4]
Integrantes del grupo
La orquesta quedó formada en esta forma: Julio, Alberto y Emilio De Caro, Lorenzo Olivari, Esteban Rovati, Bernardo Germino y Antonio Arcieri en violines, Pedro Maffia, Luis Petruceli, Ricardo Brignolo, Luis D´Abraccio, Ángel Danesi, Nicolás Primiani, Miguel Orlando y Luis Minervini en bandoneones, Francisco De Caro y Roberto Goyeneche en pianos y Leopoldo Thompson y Olindo Sinibakdi en contrabajos.
miércoles, 24 de noviembre de 2010
Rostropovich
"Yo solo toco en ese chelo, no viajo a ningún lado sin él", explica el músico, el primer americano en ganar la Competencia Internacional Rostropovich, en 1996, para quien la relación con el instrumento ha sido de toda la vida.
Antes de llegar a las manos de este intérprete, su anterior dueño, el chelista Leonard Rose (primer violonchelo de la Filarmónica de Nueva York), le permitió a Hoffman interpretarlo cuando este era un niño que despuntaba en la escena de los virtuosos en todo el mundo. El Tiempo
Amati
"Lo más grandioso es que siga aquí, que aún se pueda tocar, porque me transmite su magia, es algo difícil de explicar", cuenta el músico que hace parte del extenso cartel de artistas internacionales y nacionales invitados al festival que se celebrará entre el 6 y el 15 de enero de 2011, en la ciudad amurallada.
Aunque 200 años de historia del instrumento son un misterio, Hoffman ha buscado documentar todo acerca de su recorrido, desde que fue construido por el luthier Niccolo Amati, quien habría sido a su vez profesor del reconocido Stradivarius. El tiempo
cursos de guitarraUn chelo 'Amati' llegará a Cartagena
Los cartageneros tendrán la oportunidad de ver en los conciertos del próximo Festival Internacional de Música de Cartagena un chelo con una historia tan ancestral como es posible: Según indicios, habría sido el instrumento en el que se interpretó por primera vez la Sonata para Chelo No.2 de Félix Mendelssohn.
El chelista canadiense Gary Hoffman, invitado al festival y actual portador del instrumento, cuenta que esa obra fue dedicada por el compositor a un conde ruso que había adquirido este chelo Amati fabricado en el año 1662, por lo cual "es muy posible que la haya estrenado" El tiempo
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'Let It Be'
El 16 de noviembre, este tema musical ocupaba el puesto 54 en la clasificación de las 100 canciones más descargadas de iTunes. 'Let It Be' era el número 60.
En el 'Top 50' de las mejores ventas de discos, 'Abbey Road' ocupaba el puesto 17, seguido del 'White Álbum' en el 25 y de 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band', dos puestos detrás.
El iTunes de Apple puso a la venta canciones de los Beatles hace una semana tras largas negociaciones con Apple Corps, la marca creada por los Beatles en 1968 y EMI, su discográfica. El Tiempo
Los Beatles vendieron 2 millones de canciones en iTunes en una semana
Los Beatles vendieron más de 450.000 discos en el mundo y unos dos millones de canciones en una semana desde que sus temas figuran en el sitio iTunes de Apple, indicó el martes la revista especializada Billboard.
Según este, 'Abbey Road', el opus de los fantásticos cuatro que salió en 1969, es el álbum que mejor se vende en Estados Unidos, mientras que 'Here Comes The Sun' es la canción que mejor lo hace.El tiempo
miércoles, 6 de octubre de 2010
Talento y personalidad de Pio Barrios
Barrios estaba interesado no sólo en la música, se acercó a la filosofía, poesía y teología. Además de castellano y guaraní, la lengua nativa de Paraguay, tenía cierto conocimiento en inglés, alemán y francés.
Barrios fue muy reconocido por sus interpretaciones, en vivo y en grabaciones -fue el primer guitarrista clásico en grabar de forma comercial en discos de 78 rpm-.
Su conocimiento de la teoría musical le permitió componer en varios estilos: barroco, clásico, romántico y descriptivo. Su música se caracteriza por ser de carácter folclórico, imitativo y religioso.
Sus composiciones se basan en cantos y danzas de toda América Latina, entre otras: cueca, chôro, estilo, maxixa, milonga, pericón, tango, zamba, zapateado, polca paraguaya, etc.
La mayor parte de sus obras se pueden considerar de carácter Romántico tardío, a pesar de haber vivido musicalmente en la primera mitad del siglo XX. Compuso preludios, estudios, valses, mazurcas, tarantelas y romanzas.
Su creatividad le permitió componer más de 300 piezas para guitarra, las cuales son fuertemente impulsadas y defendidas por César Amaro, John Williams, David Russell, Laurindo Almeida, Abel Carlevaro, Jesús Benites, Alirio Díaz, entre otros, además de ser consideradas ampliamente de las más importantes en el repertorio de la guitarra clásica.
Jesús Benites [1932-2007], guitarrista peruano que ha grabado varios álbumes de Barrios expresó: "Barrios tuvo que bañarse en la fuente del arte para componer como compuso, y asi fue; sus obras han prevalecido y prevalecerán para siempre."
Barrios tenía un carácter excéntrico y ciclotímico. Pasaba por largos periodos depresivos en los que no componía ni tocaba la guitarra y por etapas en las que estaba tan eufórico que se encerraba a componer y practicar sin considerar el tiempo. Fue reconocido además como un buen atleta. wikipedia
El nombre de artista "Nitsuga Mangoré"
El 14 de agosto de 1932 se presentó, en Bahía, Brasil, como Nitsuga Mangoré, el Paganini de la guitarra de las selvas del Paraguay, donde la palabra Nitsuga corresponde a Agustín, escrito al revés; y Mangoré viene de un legendario jefe guaraní que peleó ante la conquista española; además del nombre, adoptó también la idea de presentarse en concierto con trajes tradicionales de Paraguay.
Fue tanto el éxito obtenido con el personaje de "Mangore" que en varios países fue más conocido con el nombre del cacique que con el nombre propio. Además él mismo se encargó de divulgar la leyenda que fue educado en las reducciones jesuiticas, que desaparecieron antes de 1800.
De esta etapa de su carrera corresponde el siguiente escrito: Tupá, el espíritu supremo y protector de mi raza, encontrome un día en un bosque florecido y me dijo: "Toma esta caja misteriosa y descubre sus secretos". Y encerrando en ella todas las avecillas canoras de la floresta y el alma resignada de los vegetales, la abandonó en mis manos. Tomela, obedeciendo el mandato de Tupá, poniéndola bien junto al corazón; abrazado a ella pasé muchas lunas al borde de una fuente. Y una noche, Jasy, retratada en el líquido cristal, sintiendo la tristeza de mi alma india, diome seis rayos de plata para con ellos descubrir sus arcanos secretos, y el milagro operó: desde el fondo de la caja misteriosa, brotó la sinfonía maravillosa de todas las voces vírgenes de la naturaleza de América. Mangoré. wikipedia
Presentaciones en el exterior de Pio Barrios
En 1929 inició una gira por varias ciudades del Brasil, por lo que el carnaval del año siguiente lo encontró en Río de Janeiro donde conoció a Gloria quien sería su compañera hasta el final de su vida. Entre 1932 y 1934, Barrios dio presentaciones en Venezuela, Trinidad, Panamá, El Salvador, Colombia, Costa Rica, México, Guatemala y Honduras.
A fines de 1932 decidió presentarse en Europa y Estados Unidos, pero recién se concretó lo primero en 1934 cuando Tomás Salomoni, embajador del Paraguay en México, realizó gestiones para su presentación en Bélgica, en el Conservatario Real de Bruselas, en septiembre de 1934. De Bruselas pasó a París, Berlín y Madrid. Tras últimas investigaciones realizadas por Lito Barrios, encontramos que Tomás Salomoni fue compañero de aula de Agustín Barrios, en el Colegio Nacional de la Capital, en todos los cursos realizados por Agustín. Esto concuerda con que Salomoni haya auspiciado a Mangoré su viaje, no sólo por ser Barrios un eximio artista, sino porque eran amigos de infancia. wikipedia
sábado, 2 de octubre de 2010
el subgenero del metal español
La banda Mägo de Oz, surgida en 1988, se ha destacado en el subgénero (Power Metal y/o Folk metal, caracterizada por el acompañamiento de un gran número de instrumentos, así como por sus melodías celtas y por las letras escritas por el polémico batería Txus di Fellatio. Esta banda se ha convertido en la presente década en una de las bandas más representativas del heavy metal en España y en el mundo, pues a partir de los discos de La leyenda de la Mancha (tributo a Don Quijote), Finisterra (su primer doble disco de éxito en el extranjero), y su trilogía Gaia, adquirieron un enorme peso popular más allá de las fronteras ibéricas, teniendo a la fecha un enorme número de seguidores en otras partes del mundo, y especialmente en Latinoamérica. La creciente popularidad de la numerosa agrupación madrileña de Folk metal, ha sido una buena plataforma de lanzamiento para otras bandas españolas, que han logrado un buen acogimiento en otras latitudes donde no eran conocidas. Más adelante, en 1996 aparece el grupo Saurom, los cuales se denominan Juglar Metal. wikipedia
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El heavy metal/hard rock en España
A finales de la década de los 70 llegaba esta corriente a España, que sufría un período de transición y por ello, mientras en otros países había aparecido, allí faltaba por desarrollarse. Grupos como Lone Star o Miguel Ríos ya habían comenzado a dar un ámbito más rockero al panorama español, pero fue adentrado en la década con el surgir de Leño, Coz, Asfalto, Bloque, Topo e incluso los Ñu de José Carlos Molina cuando estallaría la fiebre del rock en España. Desde el principio de la década de los ochenta sobresalieron Barón Rojo y Ángeles del Infierno, que junto con Obús, hasta ahora han sido consideradas las bandas de heavy metal más grandes en España.Otras bandas de los 80 en España fueron Panzer, Tritón, Goliath, Evo, Muro, Banzai, Manzano, Zarpa, Sobredosis, pertenecientes a la Nueva ola del Heavy Metal Español. wikipedia
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Bravú
Se conoce como bravú al movimiento musical surgido en Galicia (España) a principio de los años 90, a través de grupos que tenían en común un orgullo por la cultura popular gallega.
Xavier Valiño llegó a formular unos principios de este movimiento en su libro "A paixón que queima o peito" ("La pasión que quema el pecho"). En palabras de sus miembros, el bravú es un "rock sin capar, que surgió cuando las guitarras llegaron a las aldeas".
Puede considerarse el bravú un rock rural, de la Galicia profunda, forma de expresión de los hijos de campesinos y pescadores, que narran sus vivencias cotidianas, teñidas siempre por un cierto aire cómico e irónico. wikipedia
sábado, 18 de septiembre de 2010
La copla sevillana
También fueron interpretadas por grandes cantantes de la copla como fueron: Concha Piquer, Estrellita Castro, Paquita Rico, Lola Flores, Gracia de Triana, la Niña de La Puebla, Miguel de Molina o la cantaora María Jiménez que llegaron en algún momento incluso a realizar alguna película donde inmortalizar este cante y baile.
Como solista la primera en destacar fue La Niña de los Peines, y más recientemente ha tenido grandes éxitos como cantante de sevillanas María del Monte. A partir de la década de 1960 surgen grupos que se dedicaban exclusivamente a este tipo de cante, entre los más famosos se encuentran Los romeros de la Puebla, Amigos de Gines, Los choqueros, Los de la trocha, y un largo etcétera. La popularidad de algunos de ellos ha sobrepasado las fronteras de España.
Historia de la sevillana
En la década de 1950 hacen aparición los primeros discos por sevillanas, sus pioneros fueron Los hermanos Toronjo, dos hermanos del municipio onubense de Alosno que tal vez ni imaginaran al principio lo que supondría para el futuro el registro de sus canciones. Sus sevillanas se hicieron míticas, conocidas como "bíblicas", después se decantaron por dedicarle sevillanas a la Virgen del Rocío y su romería.
A los pocos años, aparecieron en este campo de las sevillanas Los hermanos Reyes, originarios de Castilleja de la Cuesta. Con ellos llegó la revolución a las sevillanas, incluyeron cambios como la diversidad completa en la melodía, sin repetir de una sevillana a otra, dedicaron sus cantes, además de a la Virgen del Rocío, a los monumentos, a las tradiciones, a las calles, puentes e historia de Sevilla.
A la Feria de Sevilla
Está incluida entre los palos del flamenco. A la Feria de Sevilla llegaron el mismo año de su fundación con el nombre que la caracteriza, aunque no fueron reconocidas legalmente con ese término por la Real Academia Española de la lengua hasta el 1884 que fue incluida en el diccionario de la lengua española. En la actualidad es el baile regional más bailado en España y fuera en el extranjero, ya que hay numerosos profesionales y academias de bailes repartidas por todo el mundo, para enseñar a bailar sevillanas, rumbas, flamenco y un largo etc de esta misma rama.
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Sevillana (música)
La Sevillana[1] es el cante y baile típico de Sevilla, y que se bailan en las distintas ferias que se celebran por toda la región andaluza, sobre todo en la Feria de Abril de Sevilla y también en la romería de El Rocío, en la aldea almonteña de Huelva, y todas las de Andalucía, o en las Cruces de Mayo de Lebrija (Sevilla) y en la romeria de Ntra. Sra. de la cabeza (Andujar). También son populares en las distintas romerías y en la antigüedad, en los corralones de vecinos y patios. Su origen se encontraría en los años previos a la época de los Reyes Católicos, en unas composiciones que eran conocidas como "seguidillas castellanas", con el tiempo evolucionaron y se fueron aflamencando, añadiéndose el baile en el siglo XVIII hasta llegar a los cantes y bailes con que son nombradas actualmente.
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sábado, 17 de julio de 2010
historia del keytar
a keytar fue desarrollada por Steve Masakowski, y comercialmente se introdujo en 1980 como el Moog de Liberación. Los primeros músicos en utilizarlo fueron Spyro Gyra, teclista; Tom Schuman y la banda de Devo. El primer uso de la expresión "keytar" fue 1980 en una entrevista con Jeffrey Abbott por Tom Lounges de la revista Illianabeat (ahora Midwest Beat Magazine)[cita requerida]. La keytar se hizo popular en la década de 1980 con las bandas de glam metal, así como aquellas de Synthpop y New Wave. Poco después, su uso disminuyó notablemente. wikipedia
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Keytar
Una keytar (del inglés keyboard y guitar, teclado y guitarra respectivamente) es un teclado o sintetizador relativamente ligero que se adapta a una correa alrededor del cuello y los hombros, de forma similar a una guitarra. La keytar permitirá a un teclista un mayor rango de movimiento en comparación con los teclados convencionales, que se tocan de pie en un sitio fijo. El instrumento tiene un teclado musical para para producir las notas y los sonidos, controles para cambiar de tono, producir vibratto, Pitch (que simula el efecto de bending de la guitarra, etc.) wikipedia
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Emulator
El emulator es un sampler y, como tal, un instrumento musical electrónico. El primer prototipo fue diseñado por Dave Rossum en noviembre de 1980.
El emulator fue lanzado al mercado como una alternativa más económica que el fairlight.
El esquema de memoria utilizado por el emulator era más simple que el de su predecesor y las funciones de edición se limitaban a modificar el punto de comienzo y final de la muestra que tenía una duración fija de 2 segundos. La calidad de la muestra era, también, inferior a la del Fairlight, pues la taza de muestra de ésta era de 16 bits, mientras Emulator era de 8 bits.
Siempre se menciona la anécdota de que Stevie Wonder fue quien encargó el primer Emulator que se fabricara comercialmente tras su demostración en una exposición del NAAM. De hecho, en su poder está el Emulator con el número de serie #001.
La saga de los Emulator llegó hasta el Emulator III. wikipedia
Clavioline
El clavioline era un instrumento musical electrónico portátil diseñado en 1947 por Constant Martin en Versalles.
El clavioline se dividía en dos partes:
-
- la unidad del teclado y controles que produce el sonido real.
- la unidad con el amplificador y el altavoz, acoplados en una caja.
La unidad del teclado contenía:
-
- 18 interruptores (22 en la versión de Selmer) para el timbre que controlaba con filtros del tipo filtro paso alto y un filtro paso bajo.
- 2 controles para la velocidad y la intensidad del vibrato.
- 1 control para el volumen total controlado por una palanca a la altura de la rodilla.
El clavioline fue extensamente en los años 50 y en los años 60, pasando a comercializarse y no quedándose en un mero prototipo, como les sucedió a sus antecesores. Se usó tanto a nivel profesional como particular y los distintos fabricantes de instrumentos produjeron su propio modelo de clavioline.
En 1949, Martin Constant diseñó el modelo duophonic que incorporaba un pequeño piano al clavioline, no obstante, este modelo duophonic nunca se llegó a comercializar. wikipedia
Armonio
El armonio o harmonium (también denominado harmonio o armonium) es un instrumento de viento con teclado, en apariencia similar al organillo alemán, pero sin tubos y de mucho menor tamaño; es un instrumento musical típico de la música devocional empleada en Asia. Aunque originalmente fue concebido como un instrumento doméstico, al igual que el piano, el armonio se impuso rápidamente en muchos templos religiosos por su tamaño y precio menores que los de un órgano.
Originalmente el armonio se desarrolló en Alemania, justamente a principios del siglo XIV. Tuvo justamente un repentino cambio en su arquitectura cuando los ingleses lo llevaron a la India en donde tuvo su primer impacto sobre la población asiática. Rápidamente el armonio original sufrió ciertas modificaciones para transformarse en un organillo de piso, en donde el cantante Indio podía sentarse, bombear, digitar y cantar al mismo tiempo. La escala tonal de las varias cascadas del pedal dentro de la estructura del armonio se cambió a la escala tonal de Do Sostenido Mayor (C#M). Rápidamente obtuvo un auge espléndido dentro de toda la India y Pakistán.
En occidente se le clasifica como un instrumento de viento de lengüeta libre. Cuenta con un teclado, que controla mediante válvulas el paso del aire por unas lengüetas metálicas que producen el sonido. La entrada de aire se produce por medio de fuelles, accionados mediante pedales por el mismo intérprete. Para conseguir un sonido uniforme el aire de los fuelles pasa a un fuelle intermedio denominado "secreto" o "reservado" que mantiene una presión constante. Sin embargo, el registro llamado "expresión" permite la entrada del aire directamente de los fuelles a las lengüetas, con lo que el intérprete puede conseguir sonidos más expresivos (forte, piano, staccato...)
Cuenta también con un sistema de registros accionados mediante tiradores, que permiten el paso de aire a unos u otros juegos de lengüetas. Con este sistema se consiguen producir sonidos diferentes en timbre, altura o matiz; además de poder dividir el teclado en dos secciones. Algunos armonios cuentan incluso con un registro que se acciona con las rodillas y permite el paso de aire por todas las lengüetas. De este modo se llegan a simular cómodamente dos y hasta tres teclados distintos. wikipedia
Acordeón cromático
El adjetivo cromático aplicado a la música se refiere a las 12 notas diferentes de la escala cromática, o sea, las naturales y las alteradas: do, do#, re, re#, mi, fa, fa#, sol, sol#, la, la# y si.
En un acordeón cromático se pueden interpretar todos estos sonidos. Este instrumento puede ser tanto de botones como de teclas. Comúnmente se le llama cromático al de botones blancos y negros en la mano derecha y "a piano" al de teclado semejante al de un piano en mano derecha.
El acordeón cromático está conformado por un fuelle situado entre dos cajas armónicas de madera que albergan los diapasones, donde están sujetas las lengüetas metálicas que vibran gracias a la corriente de aire que se origina por la fuerza del brazo izquierdo del acordeonista al accionar el fuelle.
Cada tecla o botón del acordeón cromático emite el mismo sonido al abrir y al cerrar el fuelle. wikipedia
Número de teclas
El número de teclas en los teclados se ha incrementado con el tiempo. En el siglo XVIII los clavecines tenían hasta cinco octavas (poco más de 61 teclas), mientras que la mayoría de los pianos fabricados desde 1870 tenían 88 teclas. Algunos pianos modernos tienen algunas teclas más (por ejemplo un Bösendorfer 225 tiene 92, y un Bösendorfer 290 Imperial tiene 97 teclas).
Los órganos generalmente tienen 61 teclas por «manual».
Los sintetizadores tienen por lo general 61, 76 u 88 teclas (casi 5, 6 o 7 octavas, respectivamente).
El número de teclas negras y blancas puede variar según el fabricante, y según el modelo de teclado. Por ejemplo, un teclado de 5 octavas de la empresa Yamaha vienen con 61 teclas (36 blancas y 25 negras); en cambio un teclado Casio de 5 octavas tiene 59 teclas (34 blancas y 25 negras). wikipedia
historia de los instrumentos de teclado
Los teclados musicales están diseñados en base a la afinación occidental. Las notas naturales de la escala de do (do, re, mi, fa, sol, la, si) son blancas y de mayor tamaño, mientras las correspondientes a los sostenidos (do♯, re♯, fa♯, sol♯, la♯) o bemoles (re♭, mi♭, sol♭, la♭, si♭) son negras y un poco más pequeñas.
La organización convencional de las notas en el teclado data del siglo XV, aunque la idea de teclado puede rastrearse hasta el siglo III a. C., con el hydraulis (órgano de agua griego). wikipedia
Instrumento de teclado
Un instrumento de teclado es un tipo de instrumento musical que usa un teclado para interpretarlo. El teclado es la parte o sección frontal, que está provista de teclas y destinada a ser accionada por medio de los dedos de las manos. Por extensión, teclado se aplica comúnmente a todo instrumento musical provisto de teclado. Al presionarse las teclas, el instrumento produce sonidos por medios acústicos, electrónicos o electromagnéticos, según el caso, y dichos sonidos ejecutados a lo largo del tiempo generan melodías. En ocasiones se ejecutan de manera simultánea generando acordes, que a lo largo del tiempo generan una armonía musical.
Está compuesto por un conjunto de teclas adyacentes, negras y blancas. El intervalo entre teclas adyacentes es de un semitono, y entre dos teclas corresponde a un tono. wikipedia
Instrumento de viento
Los instrumentos de viento o aerófonos son una familia de instrumentos musicales que producen el sonido por la vibración de la columna de aire en su interior, sin necesidad de cuerdas o membranas
Un instrumento de viento puede consistir en uno o varios tubos. Dentro del tubo se forma una columna de aire, que el músico hace vibrar soplando a través de una boquilla o una lengüeta colocada en la extremidad de dicho tubo. En el caso del acordeón y el armonio, la respiración del ejecutante es reemplazada por un fuelle de distintos tipos.
El tono o altura de la nota se determina por la longitud del tubo, que determina la longitud de la columna de aire vibrante.
La escala de distintas alturas (notas) se obtiene:
- Acortando la longitud sonora del tubo por medio de agujeros abiertos a lo largo de él. En este caso, lo que se acorta es la longitud "efectiva" del tubo, no la real. Por ejemplo, la flauta y otros instrumentos de viento madera.
- Acortando o alargando la longitud sonora del tubo por medio de válvulas o pistones que conectan segmentos adicionales o "asas". Por ejemplo, la trompa y otros instrumentos de viento metal, excepto el trombón.
- Alargando el tubo por medio de un mecanismo de deslizamiento (como el trombón de varas).
- Haciendo que la columna de aire genere diferentes armónicos agudos. Por ejemplo, la trompa natural
Estos métodos se combinan en los instrumentos, por ejemplo: La trompeta tiene pistones que añaden asas al tubo, pero con frecuencia hay una llave especial que funciona como la vara de un trombón. Además, para cada posición de los pistones se obtiene una serie de armónicos muy extensa. Esto hace que las mismas notas se puedan producir (con ligeras diferencias) según un método u otro, como un número de armónico distinto variando también la posición de los pistones. La elección de una combinación en particular depende del sonido exacto que se busca y también de la comodidad que permita ejecutar un determinado pasaje más o menos fácilmente. wikipedia
zambomba 1
- En la localidad andaluza de Jerez de la Frontera se denomina Zambomba[1] a unas fiestas navideñas que se suelen realizar los días festivos previos a la nochebuena. En ella un grupo de gente canta villancicos aflamencados (normalmente por bulerías) en coro al son de una zambomba y, a veces, acompañados también por otros instrumentos como panderetas o botellas de anís.[2]
- En la comunidad autónoma de Andalucía, en España, sobre todo en la provincia de Málaga, se denomina Zambomba a la música electrónica Techno, en sus ramas más veloces y oscuras, generalmente, los subgéneros Acid techno y Schranz. Esta connotación de la palabra tiene su origen en un colectivo (en la jerga correspondiente, grupo de Deejays), llamado AstralTech, que promocionan estos estándares musicales considerados como obsoletos por las tendencias de la música electrónica actual. Se hace referencia al término por la similitud de ambos sonidos.
Es muy utilizada tambien en fiesticas de Navidad. En ciudades como: Zamora, Salamanca, Madrid, Jerez... wikipedia
Consiste en un cilindro hueco más o menos grande que puede ser de distintos materiales (cerámica, madera, etc.) con uno de sus extremos cerrado con un parche, el cual se atraviesa por el centro con una varilla, la cual puede ser de madera u otros materiales. Esta varilla, en ocasiones, es sustituida por una cuerda. Al frotar la varilla, la zambomba produce un sonido grave y peculiar. wikipedia
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Zambomba
La zambomba es un instrumento de percusión, concretamente un tambor de fricción. En España, la zambomba es un instrumento muy típico en las fiestas navideñas, acompañando con frecuencia al canto de villancicos y cánticos populares. También se usa en otros muchos países en música tradicional wikipedia
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tippos de
- Tradicionales, hechos de manera artesanal con madera se usa madera de lengue, iroko, y mahogany tradicionalmente aunque hoy en día se usan también maderas como el cedro el arce y la caoba, y piel (generalmente de cabra) aunque algunos músicos también usan piel de becerro para cambiar un poco los tonos, este tipo de djembes tradicionales se afina por medio de un sistema de una cuerda integra y resistente muchas veces cuerda de alpinismo de alta resistencia y se entrelaza en el aro de arriba (donde lleva el parche) y el aro de abajo (donde se sostiene).
- Modernos, que pueden estar hechos de madera y piel natural o de fibra y piel sintética (como el de la foto).
Existe una gran variedad de ritmos tradicionales, destacando entre ellos los ritmos de fiesta y rituales, cada familia de ritmos se usa para diferentes festividades, hay ritmos especiales que solo se tocan en situaciones extremas, si una mujer enfrenta esterilidad, una enfermedad grave o problemas fuertes en su familia decide bailar el moribayassa, el moribayassa es un ritmo del oeste de africa cerca de guinea y mali que se toca también con otros instrumentos llamados djun djuns o dunduns.
Según el ritmo que se toque es la actividad que se realiza. Los ritmos fungen en ciertas ocasiones como rezos, ejemplo de lo cual es el ritmo kakilambe, que es el fetiche protector de la aldea. En algunos casos los niños y las mujeres no pueden ver a dicho fetiche, como es el caso del kakilambe.
Hoy en día el djembe es usado en diferentes ámbitos musicales, desde la música tradicional africana hasta en grupos de reggae o música electrónica. Se le considera un instrumento extremadamente versátil y es uno de los primeros membranófonos que existió en el mundo.
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Yembe
El dyembe o jembe es también conocido por yimbe, sanbanyi (En lengua susu) o simplemente tam tam.
La respuesta a tantos nombres para el mismo instrumento la tenemos en la variedad lingüística (lenguas mandé) y su adaptación fonética a lenguas foráneas, así, para un francés será djembé y para un inglés jembe o jenbe. La adaptación más extendida es la de djembe, debido al colonialismo francés en la zona, pero no se ha de olvidar que es un instrumento africano.
El yembe es un instrumento de percusión perteneciente a la familia de instrumentos membranófonos. Se originó en el antiguo Imperio Mandinga, aproximadamente entre las localidades de Bamako (Malí) y Kankan (Guinea), desde aquí migró posteriormente a Senegal, Costa de Marfil y Burkina Faso, formando parte integral de la música y las tradiciones de la zona. Se cree que esa migración se debió a los Numu, que eran (y todavía son) herreros profesionales considerados guardianes de ciertos poderes. Ellos se encargaban de fabricar las máscaras Komo, realizar la circuncisión y la ablación de los adolescentes, para marcar su paso a la edad adulta, tanto como de esculpir y tocar los yembes.
Como resultado de las diferencias en la forma, la densidad de la madera, los grabados internos y la piel, existe una amplia gama de tonos que pueden ser emitidos por el yembe. Golpear la piel cerca del centro produce notas más graves, golpearla cerca del borde produce tonos más agudos. En un yembé bien afinado se obtienen graves, medios y agudos bien diferenciados.
Tradicionalmente, los yembes tienen unos 30 cm de diámetro, con una variación aproximada de entre dos y seis centímetros. wikipedia
Xilórgano
El xilórgano (del griego xulon, madera, y órganon, instrumento), también conocido como zilórgano o jilórgano, es un instrumento musical antiguo de teclado, parecido al xilófono, y en uso desde el siglo XVII.
Está formado por unos cilindros de madera o tierra cocida colocados sobre un bastidor de forma trapezoidal. En el interior de este bastidor se encuentra el mecanismo del teclado, formado por unas varllas de madera que, al pulsar las teclas, accionan unos pequeños martinetes que golpean los cilindros. wikipedia
Didáctica musical del xilófono
Cuando el xilófono está destinado para aplicar el método Orff se montan en una caja acústica de madera de forma rectangular. Usualmente hay tres tipos: bajo, alto y soprano, con una escala y media cada uno. Como su nombre indica, se montan láminas de madera (xilo) preferentemente de palosanto.
Funciones
Sirve para percusión, los hay de madera, de pizarra y sobre todo los hay de metal. El recurso más utilizado para el xilófono es el trémolo, que se obtiene percutiendo alternativamente con ambas baquetas sobre una misma lámina. El xilófono requiere un gran virtuosismo por parte del percusionista. Su técnica actual es muy compleja y precisa de un gran especialista. Su papel en la actual orquesta no es el de ofrecer un toque exótico a la obra, sino que es un timbre independiente y muy importante dentro del desarrollo orquestal. wikipedia
Xilófono
El xilófono (pronunciado /si'lofono/) es un instrumento musical de percusión cuyo origen se remonta al siglo XVIII. Cada lámina se afina según un tono específico (nota musical) de la escala cromática. Como se puede afinar, se trata de un laminófono de sonido determinado. El orden de las láminas es similar al orden del teclado de piano.
El xilófono utiliza tanto la técnica de tambor afinable como la avanzada de mazos.
El xilófono tiene un tono más vivo que su primo, la marimba, y las notas se sostienen menos. Los xilófonos modernos incluyen láminas de percusión cortas. Un xilófono con un registro más bajo que el registro de la marimba se llama "xilorimba".
El xilófono posee una gran relevancia en un número de piezas clásicas. Algunas de las más conocidas son la Danse macabre (1874) compuesta por Camille Saint-Saëns y «Fósiles» de Carnival of the Animals (1886) del mismo compositor. También se puede escuchar en la Sinfonía Nº. 6 de Gustav Mahler. wikipedia
Historia del vibráfono
Fue inventado, en 1916, por Herman Winterhoff del fabricante de instrumentos de percusión Leedy, en Estados Unidos. Éste construyó una especie de marimba, pero con láminas de acero y con todas las características que definen al vibráfono (tubos resonadores, motor, vibrato) a excepción del pedal, que fue introducido posteriormente por el principal competidor de Leedy, Deagan. El vibráfono fue uno de los últimos instrumentos de una larga serie de instrumentos de "variedad" como glockenspiels de cristal y marimbas de acero. La idea original era dar a éste ultimo la posibilidad de generar un trémolo similar al de la voz humana. A partir de los 50 el acero se fue sustituyendo gradualmente por las aleaciones de aluminio, más económicas y livianas. Cada fabricante adoptó una aleación distinta, lo que hace que el sonido sea ligeramente distinto entre un fabricante y otro.
El vibráfono se introduce en el jazz (sus principales intérpretes son Red Norvo, Lionel Hampton, Milt Jackson , Gary Burton y Bobby Hutcherson) y, desde los Estados Unidos, pasó al París bohemio, desde donde se extendió por toda Europa.
Una técnica ocasional en la llamada música contemporánea y en el jazz es el empleo de arcos de violonchelo para hacer que las láminas produzcan sonidos tenidos wikipedia
Vibráfono
El vibráfono, también llamado en inglés como vibraharp o simplemente vibes, es un instrumento musical de la familia de percusión.
Es un laminófono similar al xilófono, pero las láminas son de aleación de aluminio, en lugar, de madera. Estas láminas son percutidas con baquetas con cabeza de hilo o lana. El ejecutante cuenta con baquetas de diferentes tamaños y materiales que le permiten obtener diferentes sonidos. Por ejemplo, los tonos más dulces se obtienen usando baquetas delgadas de cabeza blanda.
El vibráfono es un instrumento de sonido determinado pues permite obtener notas musicales de una altura determinada. Incluso se pueden generar acordes, si se percuten varias láminas usando de dos a cuatro baquetas.
El instrumento moderno y estándar tiene tres octavas, aunque hay luthiers que fabrican vibráfonos que alcanzan las cuatro octavas. Las láminas están ordenadas como en un piano, con dos teclados: uno para las notas naturales y otro para las notas alteradas. Entre los dos teclados se encuentra el mecanismo del pedal.
Debajo de cada lámina hay un resonador: un tubo resonante de aluminio, fibra o bronce que está afinado de acuerdo al tono de la lamina que se encuentra sobre éste. La afinación se establece mediante la colocación de un tapon en el extremo inferior de cada tubo.
El vibráfono debe su nombre a un mecanismo que proporciona un vibrato: entre los tubos resonadores y las láminas hay una serie de discos enlazados entre sí por un eje. Hay un disco para cada tubo y el eje es accionado por un motor eléctrico. La rotación de los discos hace que los tubos se abran y cierren parcialmente, varias veces por minuto, lo que provoca un efecto de trémolo (una oscilación en el volumen sonoro) que es en la mayoría de los casos, regulable en velocidad.
Además de este mecanismo, el vibráfono posee un sistema de pedal con efectos similares al del pedal de un piano: entre las dos corridas de láminas hay una barra metálica cubierta con fieltro que está sujeta a presión por uno o más resortes. La presión ejercida sobre las láminas hace que éstas suenen apagado y su sonido sea muy corto. Cuando el pedal es presionado, la barra se despega de las láminas y éstas quedan suspendidas, por lo que pueden vibrar libremente. La duración del sonido de una lámina con el pedal presionado puede oscilar entre los 8 a los 20 segundos, dependiendo de la calidad del instrumento. wikipedia
Vibraslap
El vibraslap (también conocido como trafaplás) es un instrumento de percusión consistente de una pieza de alambre duro (doblado con forma de manija) que conecta una bola de madera con un bloque de madera que dentro posee "dientes" de metal. Cuando el percusionista sostiene la manija en una mano y golpea la bola (generalmente contra la palma de su otra mano), los dientes del metal vibran contra el bloque de madera, causando un repiqueteo distintivo. Los vibraslaps pueden encontrarse en varios tamaños y de materiales.
El vibraslap se usa frecuentemente en la música de América Latina. También es empleado por bandas de rock alternativo como Cake. Se puede oír en la canción de R.E.M. Orange Crush, en Nuttin' But a G Thang de Dr. Dre, Crazy Train de Ozzy Osbourne, The Dark Eternal Night de Dream Theater y en "Zomby woof" de Frank Zappa. El instrumento es el descendiente moderno del jawbone o quijada, que era empleado como un primitivo instrumento de percusión. wikipedia
Udu
El udu es un instrumento de percusión de origen africano creado por el pueblo Igbo y el hausa de Nigeria. En su lenguaje udu significa "paz" o "vasija".
Siendo en realidad un jarrón de agua con un agujero más, era tocado por mujeres con fines ceremoniales. El udu está fabricado normalmente de arcilla y piedra.
El instrumento se toca con las manos y produce un sonido grave bastante peculiar[1] al ser golpeado rápidamente el agujero grande. Así mismo el cuerpo entero puede ser tocado con los dedos. Hoy en día es extensamente usado por percusionistas de diferentes estilos musicales.
Músicos del txalaparta
Juan Mari Beltran, ha sido uno de los que revivio la txalaparta gracias la transmisión de los hermanos Zuaznabar y Goikoetxea, ya que hace más de 30 años, estuvo a punto de desaparecer.
El dúo de gemelas Ttukunak y Oreka TX se han convertido en los referentes que dan a conocer este instrumento[cita requerida]. Ttukunak ha llevado la txalaparta por todo el mundo, desde el Royal Festival Hall de Londres hasta el festival de percusión bahiano PercPan -dirigido entonces por Gilberto Gil-, pasando por distintos puntos de Asia, América, África y Europa. También sobresalen de manera extraordinaria el grupo multicomunitario TTAK AT!, participando en fiestas populares y conciertos varios, además de fiestas multitudinarias como San Fermines...Unen música tradicional con los ritmos mas endiablados de la txalaparta. Han colaborado con los músicos vascos Kepa Junkera y Oskorri, además de otros muchos de la escena folk internacional
La escuela de Hernani ( Guipuzcoa ) ha sido una cuna de txalapartaris, donde han salido Harkaitz ( Kepa Junkera, Oreka Tx ), Felipe ( Hermanos Ugarte ), Sergio ( Zuratean, Luis de pablo, Edu Muruamendiaraz )... donde se celebra cada año la TXALAPARTA FESTA que congrega a txalapartaris de todo el País Vasco y otros puntos de España y el extranjero.
Hay otros puntos del País Vasco donde han salido y siguen saliendo Txalapartaris talentosos como Hondarribia ( fuenterrabia ), y otras zonas de Vizcaya.
TOQUES DE LA TXALAPARTA
Existe varios toques que han evoluconado a otros más modernos.
- Tradizonala ( Tradicional ) - Laukitua ( toque moderno ) - Hirukoa ( de tres ) - Papua ( en honor a la tribu papua africana ) - Bostekoa ( de cinco ) - Balsa ( Vals ) - Ezpata Dantza ( danza de la espada ) wikipedia
Txalaparta
La txalaparta, o chalaparta en castellano, es un instrumento de percusión tradicional vasco con un claro equivalente en el semantron o toacă de la Iglesia Ortodoxa. Es posible que la txalaparta constituya el único vestigio entre la cristiandad occidental de un ritual de llamada a la liturgia anterior al Cisma de Oriente.
La txalaparta clásica se compone generalmente de dos soportes (cestos, sillas, banquetas, etc.), sobre estos algún material aislante (hoja de maíz, sacos viejos enrollados, hierba seca, etc.) y sobre esto un tablón que es golpeado con cuatro palos (dos cada Txalapartari). Las maderas más utilizadas para el tablón han sido el aliso, fresno, castaño u otras del país. Aunque tradicionalmente cada txalaparta solía tener dos o tres tablas de madera, recientemente es habitual encontrar txalapartas formadas por una docena de tablas wikipedia
Triángulo (instrumento musical)
El triángulo es un instrumento percutido de metal, perteneciente al grupo de los idiófonos, porque el sonido resultante es fruto de la vibración del metal tras ser golpeado con la baqueta.
El triángulo es una barra cilíndrica de acero doblada en forma de triángulo, como su nombre indica, con la particularidad de que uno de sus vértices queda abierto. Normalmente, el ejecutante no sostiene directamente el instrumento asiéndolo por uno de sus lados sino mediante un cordel que, atado al vértice superior, sirve para suspenderlo.
El sonido del triángulo es agudo y de altura indefinida, lo que no significa que no genere notas determinadas. El músico puede hacer que el sonido del triangulo sea abierto o cerrado según como lo sostenga. El triángulo posee gran sonoridad, lo que permite que sea oído por encima de la orquesta. wikipedia
Tormento (instrumento musical)
Tormento es un instrumento musical Idiófono de percusión, de golpe directo. Es una mesilla portátil con cuatro patas plegables. Tiene doble cubierta y entre ambas, en su interior, varias corridas de tapas metálicas de bebidas. Las hay con una cubierta de lata y otra de tablitas sueltas, pero siempre con las tapitas. Se toca con los dedos, con dedales o simplemente con las manos. Otra variante es una caja que se coloca sobre las rodillas y, finalmente, una caja que se porta con una correa desde el cuello, que permite percutirla de pie.
Sirve para acompañar cuecas, tonadas y danzas campesinas del centro y del norte chico de Chile.
El tormento de salón, fue introducido en Chile en la época de La Colonia, era una cajita de 30 centímetros de longitud por unos 20 centímetros de ancho y de 10 a 15 centímetros de altura, con cuatro patas plegables. Su cubierta superior estaba formada por una serie de tablitas sueltas engranadas en una especie de pestaña para que no se salieran. Para permitir mayor sonoridad no tenía cubierta inferior. En su interior tenía adosada una especie de sonajas de metal y se percutía encima de la cubierta con un palillo baqueta.
El tormento actual, usado en chinganas y ramadas es de mayor tamaño. Mide entre 50 a 60 centímetros de longitud por unos 35 a 45 centímetros de ancho. wikipedia
Toque de piedras
El toque de piedras es una forma de producir sonido a modo de instrumento de percusión mediante el choque de estas. Su uso estuvo extendido entre los pastores de muchos pueblos riojanos de tradición ganadera, que para entretenerse en sus ratos libres, y al no tener medios económicos para adquirir un instrumento, acompañaban así sus jotas[ wikipedia
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Tom-Tom
Tom-Tom ó Tomtom es un instrumento musical de percusión mejor reconocido como un tambor , originario de los nativos americanos o las culturas asiáticas, y forma parte de la Batería. Siendo incorporado a esta a comienzos del siglo XX. El Tom-Tom se encuentra solo o de a dos y suele ser montado en una aparejo de acero montado por sobre el bombo, . wikipedia
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Tom de piso
El tom de piso o golliat es un tambor tom-tom de doble parche, componente de la batería, que usualmente está sobre el piso en sus tres patas. Es más grave en cuanto a sonido que los otros tom-toms de la batería. Medidas comunes para este tambor son 14x14 y 16x16 pulgadas. El tom de piso fue popularizado por Gene Krupa en los años 50s. wikipedia
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Timbaletas
Las timbaletas son un instrumento de percusión. Consiste en dos pequeños tambores unidos, normalmente, montados sobre un atril metálico. Estos tambores son de metal con cabezas afinables de piel (membranófono). La membrana no sobresale por el aro que la sujeta. La piel sobrante queda en el interior.
Como en los bongos, ambos tambores que tienen la misma altura, pero distinto diámetro. El más pequeño del par se llama "el macho", o el tambor menor, mientras el más grande se llama el tambor "femenino" o principal. Tradicionalmente, el tambor de tono más bajo es el de la izquierda, pero el ejecuntante puede ubicarlos según su criterio.
Aunque su forma es similar a la del bongó (cuya caja es de madera), su sonido está más cercano al timbal, por ser las cajas de las timbaletas metálicas. De ahí, su nombre.
Las timbaletas siempre se tocan con baquetas, a diferencia de los bongos que se pueden percutir con las manos.
Las timbaletas son uno de los intrumentos que forman parte de las baterías. wikipedia
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